Biografias y Obras mas conocidas de los Pintores más importantes en la Historia del Arte


FRANCISCO DE GOYA



Francisco de Goya nace un 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos , en una familia de clase media, su padre fue un maestro decorador y artesano el cual ejerció una fuerte influencia en la formación artística de Francisco. En 1759 ingresa en la Academia de dibujo de Zaragoza la cual era dirigida por José Luzán donde permaneció hasta 1763. Goya incursionó en la pintura de caballete, pintó murales y también realizó grabados y dibujos, en todas estas vertientes desarrolló un estilo que inaugura el romanticismo. En 1793 es afectado por una grave enfermedad, hecho que lo conduce hacia una pintura mas creativa, que representa temáticas diferentes a las obras anteriores que había realizado para la decoración de los palacios reales, su obra también se caracteriza en este período por representar la Guerra de independencia, en donde la serie de estampas de los desastres de la guerra se convierte en un testimonio sobre los crímenes cometidos en esa contienda donde las víctimas representadas son de cualquier clase y condición social. Una de sus obras con mas notoriedad es sin duda “La Maja desnuda”, posiblemente por la polémica desatada en torno a la identidad de la mujer representada en dicha obra, aunque su obra mas importante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco que decoró su casa de campo, las pinturas negras, en donde Goya se anticipa a la pintura contemporánea y los diversos movimientos de la vanguardia que se destacarían en el siglo XX. Un 15 de abril de 1828 muere en Burdeos con estado de salud bastante deteriorado.

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No conocía a Gustav Klimt, asi que busque información sobre su vida y su obra

Una breve biografía:

Nombre real Gustav Klimt

Nacimiento 14 de julio de 1862

Baumgarten, Austria
Fallecimiento 6 de febrero de 1918, 55 años
Viena, Austria-Hungría
Nacionalidad Austrohúngaro

 Este artista austríaco representa una particular visión del Modernismo que ha hecho que muchos lo consideren dentro del ámbito del Simbolismo por los contenidos de sus obras.
 
El ambiente que vivió, estuvo muy influido por la Secesión vienesa. En 1897 se creó una asociación de artistas de vanguardia opuestos a la academia. En arquitectura, pintura y escultura se exponían los ideales del Modernismo. Klimt estaba a la cabeza de la pintura, hizo murales de cierta envergadura. Creó un taller con su hermano, hacían decoraciones por encargo. La muerte de su hermano en 1893, lo sumió en una depresión que hizo que se apartara durante un tiempo de la pintura. Cuando volvió a pintar encabezó como presidente de la Secesión en 1897.
 
     Klimt conoció la pintura innovadora belga, Toorop, el Prerrafaelismo inglés... . Fue muy revelador su viaje a Rávena en 1903, conoció mosaicos bizantinos y una decoración de gran brillantez de color pero antinaturalista. Ello le influyó profundamente; en sus obras se aprecia un gusto por los fondos dorados y por los diferentes materiales decorativos. Sus obras tienen valor de icono. La mujer que aparece en sus temas es la decimonónica mujer fatal, demacrada, enfermiza y mórbida.

Movimiento Simbolista, Modernista

Obras destacadas El Beso (Gustav Klimt), Retrato de Adele Bloch-Bauer I
Gustav Klimt (14 de julio, 1862 – 6 de febrero, 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.[1] Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,[2] en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

Un gran artista Romi. Hasta hace unos años el mundo del arte ignoraba por completo a Gustav Klimt. Ahora sus pinturas se ubican entre las más caras del mercado internacional

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Si Maby las pinturas de Gustav Klimt...son realmente bellas  



En las pinturas de los primeros años de Gustav Klimt es frecuente el uso de la alegoría de la "mujer fatal". En esta legoría se describe esa relación del hombre con la mujer, en la que el hombre termina muerto por el deseo. En Judit se retoma de nuevo esta alegoría, ahora a través de un personaje biblico. Se cuenta en la Biblia que Judit salvó a los judios de los asirios matando a Holofernes. En Judit I, pintado en 1901, Klimt no representa a Judit acentuando el aspecto heróico de salvadora de los judios (con la espada etc), sino que nos trae a una mujer sensual, que nos mira de frente con los ojos y boca entre abiertos, descubriendose el pecho de manera provocadora.

A la vez, en la parte izquierda del cuadro, está la cabeza de Holofernes. Es la mejor representación de la mujer "mantis religiosa" que he visto. Felix Salten escribió de esta Judit: "...es una encantadora señorita judia de hoy,... que hace que todos los hombres vuelvan la cabeza hacía ella en los estrenos. Es una esbelta criatura sinuosa con fuego ardiente en sus ojos oscuros y una boca cruel... hay misterios y fuerzas que parecen dormir en esta mujer seductora"

Judhit I

Más sobre la importante obra de  Gustav Klimt





Esta escena forma parte del Friso de Beethoven, realizado con colores de caseína sobre un fondo de yeso y estuco, con enrejado metálico e incrustaciones de piedras semipreciosas.

Este tercer panel del friso es, según el autor, el anhelo de felicidad que se sacia con la poesía. Las tres artes supremas, situadas a la izquierda, nos llevan al coro de ángeles de figuras femeninas vestidas con largas túnicas doradas, colocadas en tres filas sobre un bello prado con luminosas flores.

Un caballero con armadura se ha despojado de ella y se abraza desnudo a una mujer. El abrazo tiene lugar en un útero, flanqueado por la luna y el sol y un rosal. Todo es muy simbólico y poético.






En esta espectacular composición podemos observar un grupo de personas amontonadas a la derecha. En ellas se ve el abrazo protector de una madre hacia su hijo en la parte alta y otro abrazo, en este caso de un hombre y una mujer, en la zona baja. Este último abrazo carece de connotaciones eróticas, se trata de un abrazo-consuelo y refugio.

A la izquierda del cuadro aparece la amenazante figura de la muerte con un oscuro sudario y dirigiéndose al grupo, que no le hace el menor caso. Su cabeza es una calavera, parece portar la guadaña y sus colores violetas son muy indicativos de su función e intenciones.

La separación espacial clarísima entre las dos partes del cuadro y la ausencia de relación entre ellas acrecienta un sentimiento de trascendencia.

Según algunas interpretaciones, el tema de la muerte y la vida se fue haciendo más frecuente en Klimt a medida que iba envejeciendo.

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Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.




Pablo Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 Pablo Ruiz Picasso siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Pablo Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años Picasso hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Pablo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma; ganó una medalla de oro.

Picasso seguió creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: Paloma, su hija.

Postear de una sola vez la vida y obra de este impresionante artista es imposible por lo que me inclino por el comienzo y el final de Pablo Picasso, dando lugar a sucesivos posts

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En Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico del siglo XX. Es la clave de la pintura y aun en general del arte de nuestra época. Son evidentes sus aportaciones morfológicas, la revolución de las formas en su obra, pero más significativa resulta su relación con la sociedad y la época en que vivió. En el primer aspecto, es la figura representativa del cubismo; en el segundo, una de las cumbres del expresionismo, si bien nunca figurará entre sus grupos y actuará de forma autónoma.

Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el que asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades que el lenguaje pictórico tiene para retratar a la sociedad o los problemas de una época.


El cubismo

Picasso pasaría en pocos años de las formas expresivas al nivel de las formas simbólicas. La revolución se inició con Les demoiselles d'Avignon (1907), manifiesto del arte del siglo XX, cuya gestación exigió a Picasso un trabajo de meses. Varios cuadernos de apuntes y cambios en las figuras y la composición desembocaron en el grupo de mujeres, donde la corporeidad humana y los rostros se intensificaron mediante deformaciones.


Clasicismo, surrealismo, expresionismo

El drama de las figuras cubistas sintonizaba perfectamente con los desastres de la guerra. Al finalizar la contienda, Picasso, sin abandonar el cubismo (como se percibe en Tres músicos del Museo Metropolitano de Nueva York, de 1923), inicia la etapa denominada clasicista, caracterizada por la representación del movimiento en los decorados para los ballets rusos de Diaghilev.

El prendimiento de Cristo


Michelangelo Merisi da Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio nace en Italia, en 1571, su padre se desempeñaba como administrador, arquitecto y decorador del Marqués de Caravaggio, y su madre pertenecía a una familia opulenta de la misma ciudad. En 1584 Caravaggio comienza a trabajar como aprendiz del pintor Lombardo Simone Peterzano, al terminar su período de aprendizaje visita Venecia dónde tiene la oportunidad de conocer la obra de Giorgione y de Tiziano, también en Milán conoce la obra de Leonardo da Vinci, “La ultima cena” una de las obras más emblemáticas de Leonardo.

Posteriormente Caravaggio trabaja en Roma en dónde tuvo la oportunidad de abrir su propio taller y sobresalir en el ambiente artístico debido a la notoriedad de su obra como por sus peleas producto de su temperamento violento e impulsivo. Caravaggio es considerado un revolucionario en la pintura debido a su férrea oposición al renacimiento y al manierismo, su obra era caracterizada por fuertes contrastes y claroscuros, dotada de una intensidad que no pasaba desapercibida para los espectadores, su obra trataban con frecuencia temáticas religiosas, también utilizó a mendigos y prostitutas como modelos para sus cuadros, como se puede apreciar en su obra “La muerte de la virgen”, dónde la cara de la virgen María es la de una prostituta que había muerto ahogada en un río, también en su obra existía cierta obsesión por cabezas decapitadas, escenas que fueron representadas en varias de sus obras como “La degollación de San Juan Bautista”, o en “David con la cabeza de Goliat”.

En la década de 1590 su obra se caracteriza por la figura humana combinada con escenas de naturaleza muerta y bodegones, la obra “El tocador de laúd” es una de las más representativas de esta etapa, en todas estas obras se puede apreciar el empleo del claroscuro dando lugar a juegos de luces y sombras para lograr efectos de volúmenes y de profundidad. Una de sus obras maestras es “La cena de Emaús” la cual se caracteriza por intensos tonos oscuros, sombras muy intensas y golpes de luz que impactan en determinadas zonas, dando un inicio a una etapa de más madurez para el pintor, una de sus obras mas conocidas de esta etapa es “La negación de San Pedro”.

En 1606 Caravaggio mató a un hombre en una riña y tuvo que huir de Roma, donde no pudo volver jamás, murió tiempo después en 1610 en una playa solitaria enfermo de malaria.

Caravaggio fué un pintor muy famoso y apreciado en su época y ejerció una gran influencia sobre los artistas de su período, aunque su notoriedad fue opacada en siglos posteriores por pintores de su época como Rubens o Rembrandt, solo hasta el siglo XX su nombre volvió a cobrar importancia al hacerse un nuevo estudio sobre el arte barroco italiano.

Gracias por el aporte Napster !!! Caravaggio fue junto con Anibale Carracci, uno de los pintores más importantes e influyentes del Barroco.

La época más importante para Caravaggio se iniciara en 1595 cuando es acogido bajo la protección del cardenal Francesco Maria del Monte, embajador de los Medici en Roma. Este cardenal era muy cultivado y amante de las artes, ostentando también el cargo de Prefecto de la Fabrica de San Pedro del Vaticano. Este mecenazgo se mantendrá hasta el año 1599 en el que por mediación del cardenal obtendrá el encargo para decorar la Capilla Contarelli, en San Luis de los Franceses, trabajo este que le llevara dos años

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Volviendo a Pablo Picasso sus dos periodos llamados Azul y Rosa

Periodo azul

Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.





Periodo rosa

Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor

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"GUERNICA", SÍMBOLO Y OBJETO DE LA HISTORIA


A pesar de la opinión de diversos críticos, especialistas, analistas de arte, intelectuales o artistas acerca del valor del Guernica en la obra de Pablo Picasso, lo cierto es que esta pintura sobrepasa con mucho los limites de la sencilla contemplación estética que podemos admirar en cualquier otra obra; después de todo, el "Guernica" es un cuadro que no tiene y nunca podrá tener marco, y eso es algo que muy pocas obras de arte, a lo largo de la historia, pueden conseguir. Pues el "Guernica", desde su creación y hasta nuestros días fue parte de la historia inspirada en esta misma, aunque muy pocos españoles son conscientes de esto que en principio debería ser algo resabido por todos, pese a que constantemente es noticia, como por ejemplo y por reciente, el conflicto que hubo hace pocos años entre el gobierno vasco y Moncloa por la petición del primero de trasladar el "Guernica" al Museo Guggenheim de Bilbao con motivo de su inauguración, y con la negativa final de éste último, lo que provocó ríos de tinta y polémica, ya que según el gobierno de Euskadi, el "Guernica" es un símbolo del sufrimiento y la represión del pueblo vasco y por esto mismo el museo que debiera acoger la obra no tendría que ser sino un museo euskaldún. Naturalmente esta opinión puede o no puede tener razón en cuanto al significado de la pintura, que a mi entender no hay tales razones fundamentadas, pero manifiesta la verdadera importancia del "Guernica", que es la de símbolo y objeto de la Historia, y más concretamente, la Historia de España y de su Democracia, de su verdadera primera y única democracia, de la paz y de la libertad que vino simbólicamente cuando finalmente el "Guernica" pisó suelo español en el año 1981, seis años después de la muerte del dictador Francisco Franco y cuatro más tarde de las primeras elecciones en esta Democracia, que sufrió su más difícil prueba cuando el 23 de Febrero de este mismo año 81 se declaró un golpe de estado que felizmente se sofocó unos meses antes de que llegase el "Guernica" a España.
Hay que decir que en este país nunca hubo un periodo democrático superior a cinco años, siendo sólo dos contando el de la revolución de 1868 y el periodo de la segunda República, cuyo régimen fué hecho pedazos mediante el alzamiento fascista de Franco que provocó la guerra civil, y que inspiró la creación del "Guernica" tras los brutales bombardeos a la "ciudad santa" vasca. Picasso pintó el cuadro como encargo del gobierno de la República española para el pabellón español de la Exposición Mundial de Paris del año 1937, y aunque el cuadro era propiedad exclusiva de la nación española, Picasso dejó escrito que el mural no debía venir a España hasta que no se instaurase de nuevo la República o una democracia similar.
 El "Guernica" se trasladó hasta el MOMA de Nueva York, y allí se quedó hasta el año 1981, cuando la Casa Blanca entendió que aquello que dejó escrito Pablo Picasso se había cumplido, y por consiguiente, debía desprenderse, muy a su pesar, de la gran "obra estrella" del museo neoyorquino, lo que significó a su vez, y lo que es muy importante, el reconocimiento internacional por parte del "sheriff" del planeta de la consolidación democrática en España; sobre todo hay que tener en cuenta que lo hizo el mismo año en que se produjo el golpe de Estado.
Seguramente esto se suma a las muchísimas claves del éxito de la Transición española.

Subastan a 11.5 millones de dólares un mosquetero de Picasso

La obra de Pablo Picasso “Homme à l’épée”, que retrata a uno de sus típicos mosqueteros, fue subastada por la casa Sotheby’s a casi siete millones de libras (unos 11,5 millones de dólares).
El precio de venta de la obra se ubicó de esta forma dentro de las estimaciones de la casa de subastas. La obra se consagró como el lote más caro de la jornada.
La obra, pintada en 1969, cuatro años antes de la muerte de Picasso, muestra a un espadachín con sombrero negro sobre un fondo de rojos intensos.
La pintura integraba una colección privada estadounidense. La identidad del nuevo propietario no fue dada a conocer.

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Entre agosto y diciembre de 1957, Picasso llevó a cabo un análisis de Las Meninas de Velázquez. La serie de las cincuenta y ocho obras que Picasso donó al Museu en 1968, está constituida por cuarenta y cuatro interpretaciones inspiradas en la pintura de Velázquez; nueve lienzos que describen el palomar que tenía instalado en su estudio de la villa La Californie en Cannes; tres paisajes y dos interpretaciones libres ?El piano y Retrato de Jacqueline. Diez de los cuarenta y cuatro óleos dedicados a Las Meninas son una visión de conjunto de la obra del pintor sevillano.

La interpretación picassiana de esta pintura constituye un exhaustivo estudio de ritmo, color y movimiento y un constante juego de imaginación en el que Picasso metamorfoseó las personalidades de varios de los componentes de la obra.






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Pablo Picasso es tan conocido por su arte como por su relación con las mujeres, eternas musas de su arte y también fuente de muchos conflictos.

Desde Olga Kokhlova a Dora Maar o Jacqueline Roque, muchas han sido las féminas que intervinieron en su arte y corazón.

Algunos piensan que la vida turbulenta en las emociones hace a un artista o a un genio y en la historia del arte y la humanidad tenemos muchos ejemplos de genios con corazones atormentados, pasiones intensas, líos de faldas o recurrente infidelidad. Lo cierto es que a Picasso las mujeres le han sido necesarias para su vida y para su arte.


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Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Domenech (11 de mayo de 1904 - 23 de enero de 1989), más conocido como Salvador Dalí fue un pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español.Biografía


Nació el 11 de mayo de 1904, a las 08:45 a.m. en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, España. Hijo de Salvador Dalí y Cusí, notario de la ciudad, natural de Cadaqués y Felipa Domenech Ferres.

Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal y a la edad de catorce años participó en una exposición colectiva de artistas locales y otra en Barcelona auspiciada por la Universidad y en la que recibió el premio Rector de la Universidad.

En 1921 muere su madre de cáncer. Su padre se casó con su cuñada, la hermana de la difunta y Salvador va a estudiar a Madrid donde en 1922 ingresa en la Residencia de Estudiantes donde conocerá a otros grandes artistas de su época - Luis Buñuel, Federico García Lorca, con los que trabará una gran amistad mientras estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Entre los años 1924-1925 realiza numerosos retratos de su hermana Anna Maria y en general explora los estilos al uso en la época en diversas fases que son conocidas como freudiana y lorquiana para acabar siendo influenciado primero por el cubismo y más tarde por el surrealismo.

En 1926 realiza su primer viaje a París donde visita a Picasso.

Colabora con Luis Buñuel en la realización de la película "Un perro andaluz", estrenada en París en 1929. Ese mismo año visitan a Dalí en Cadaqués una serie de personajes del surrealismo, entre ellos el poeta Paul Eluard y su mujer Gala a la que seducirá el joven pintor para convertirla en su musa y compañera el resto de su vida.


Se convierte en un punto de referencia del movimiento surrealista.

Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Bretón, "...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del Surrealismo..."; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración.

En 1936, Bretón expulsó a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Éluard.

En 1940, debido a la Guerra Mundial se va a vivir con Gala a los Estados Unidos donde permanecerá hasta 1948, una de las épocas mas fructíferas de su vida.

En 1974 inaugura el Teatro-Museo Dalí en su Figueras natal.

Después de la muerte de Gala en 1982, la salud de Dalí decae muchísimo y se traslada a vivir desde Cadaqués a su casa en Pubol.

El rey Juan Carlos I le concedió el título de Marqués de Pubol. Un incendio en su habitación en 1984 hace que se traslade a unas habitaciones en Torre Galatea, edificio anexo al Teatro-Museo donde permanecerá prácticamente recluido hasta su muerte el 23 de enero de 1989.

La mayor parte de su obra fue heredada por el Estado Español.

Como pintor, Dalí no tuvo un único estilo o técnica; lo mejor de su producción se desarrolló dentro del surrealismo y sus cuadros, de un gran detalle y composiciones extravagantes y geniales, reflejan un mundo onírico particular.

En 1929 se sumergió en el surrealismo tras su colaboración con Luis Buñuel en "Un perro andaluz (película)" (Un chien andalou).

Consiguió revitalizar este movimiento ya en decadencia, gracias a sus novedosas invenciones basadas en ideas freudianas







"El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar escenas extraordinarias en medio de un desierto vacío. El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar pacientemente una pera rodeado de los tumultos de la historia." Salvador Dalí.

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!!!Maby me encanta Salvador Dalí gracias por traerlo al foro



LA METAMORFOSIS DE NARCISO








En el cuadro, el artista pone de manifiesto el drama humano del amor, la muerte y la transformación conocido como “narcisismo” en psicoanálisis. Sigmund Freud, en su Introducción al psicoanálisis, define este término como “el desplazamiento de la libido del individuo hacia el propio cuerpo, hacia el “yo” del sujeto.”

Dalí aconsejaba que quien contemplase sus cuadros lo hiciese con el poema en la mano, en el que muchas veces se encuentra el verdadero sentido de la obra


En julio de 1938, Dalí viaja a Londres para conversar con Freud y, durante la visita, le muestra este cuadro. Freud comenta: “Hasta hoy, me había inclinado a pensar que los surrealistas -que parece que me eligieron como su santo patrón- estaban totalmente locos. Pero este joven español, de ojos fanáticos y un dominio técnico indiscutible, me ha sugerido una opinión distinta. De hecho, sería muy interesante explorar analíticamente el crecimiento de una obra como ésta…”

Salvador Dalí, en este óleo, ha unido la tradición clásica de la mitología griega con las últimas investigaciones de la ciencia, en este caso, el psicoanálisis, recurriendo a un mito cargado de significados, el de Narciso, para un artista que constantemente trabaja para construir su imagen.

La irrupción de Gala (Helena Devulina Diakanoff) en la vida de Salvador Dalí será fundamental, tanto en su vida como en su obra. Tal es así que pasó a firmar sus obras como Gala-Dalí.

Ella encarnaba la figura de la mujer de sus sueños infantiles. La reconoció porque poseía la misma espalda desnuda. La prueba de ello era su anatomía, precisamente igual a la mayoría de los personajes femeninos representados en sus dibujos y pinturas. "Su cuerpo tenía una complexión infantil, sus omóplatos y sus músculos lumbares la tensión de los adolescentes. La curva de la espalda, por el contrario, era extremadamente femenina y unía con gracia el torso enérgico y altivo a las finas nalgas que su talle de avispa hacía todavía más deseable", apuntó Dalí.

Cada vez que quería hablar con ella le acometía un ataque de risa y apenas ella se daba vuelta Dalí se retorcía de risa revolcándose por el suelo. Durante un paseo por el cabo de Creus, en el recodo de una cala, en Es Cayals, Dalí declaró su amor a Gala, quien poseía un encanto fascinante mezclado con una seguridad que no había dejado de impresionar al joven pintor.

Dalí nos abre la puerta histórica y freudiana de este incipiente amor en la siguiente frase: "Elle sería mi Gradiva (la que avanza), mi diosa de la Victoria, mi mujer. Para ello era necesario que me curase. Y ello me curó gracias a la potencia indomable e insondable de su amor, en que la profundidad de pensamiento y la destreza práctica rebasaban los métodos psicoanalíticos más ambiciosos". Dalí, temblando, preguntó a Gala: "¿Qué-quie-res-que-ha-ga?". Y Gala le respondió con el rostro transformado, duro y tiránico: "¡Quiero que me mates!". "¿Y si la tirara desde lo alto de la catedral de Toledo?", se preguntó Dalí. Pero como estaba previsto, Gala era la más fuerte. "Gala me liberó de mi crimen y me curó de mi locura. ¡Gracias! ¡Quiero amarte! Te desposaré. Mis síntomas histéricos desaparecieron uno tras otro como por encantamiento y yo volvía a ser el dueño de mi sonrisa, de mi risa, de mis gestos. Una salud nueva brotaba como una rosa de mi cabeza", explicó el catalán.

En el "Diccionario Abreviado del Surrealismo, publicado en 1938, cuyos autores con Breton, Dalí y Éluard, se inserta la siguiente definición sobre Gala: "Mujer violenta y esterilizada". Por encima de cuáles fueran las relaciones con Gala, que oscilaron entre cielos y abismos, convivió con ella 52 años. Ella fue su verdadera riqueza, lo acompañaba a todas partes, lo defendía, lo protegía de los otros y de sí mismo.

Dalí decía: "Gala me ha dado, en el verdadero sentido de la palabra, la estructura que faltaba en mi vida. Yo no existía más que en un saco lleno de agujeros, blando y borroso, siempre en busca de una muleta. Ciñéndome a Gala he encontrado una columna vertebral y, haciendo el amor con ella, he rellenado mi piel. Hasta este momento mi esperma se perdía por la masturbación como arrojado a la nada, con Gala lo he recuperado y me ha vivificado. Primero creí que ella iba a devorarme; pero por el contrario, me ha enseñado a comer lo real. Firmando mis cuadros como Gala-Dalí, no hago más que dar nombre a una verdad existencial, porque no existiría sin mi gemela Gala".

Entre sus últimos cuadros existe uno especialmente perturbador, pintado algunas semanas antes de la muerte de su Gradivia, "Los tres enigmas gloriosos de Gala", donde reunía los tres períodos de su carrera. Fueron "La mujer visible", la "Leda atómica" y "La Madona de Port Ligat" el último y triple homenaje a aquella.

La mayor catástrofe que podía abatirse sobre Dalí ocurrió el 10 de junio de 1992, cuando a los 89 años muere su Gala, abandonándolo a la soledad. Entonces quiso "suicidarse por deshidratación".

"¿No es una molécula de ADN garantía de inmortalidad? Ella es la célula monárquica por excelencia: cada mitad de un barrote está engarzado a su mitad correspondiente con toda exactitud, como Gala lo está a mí...".



 
La Madona de Port Ligat




Leda Atomica

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Maby tendrias un detalle d fina coqueteria con migo y me envias aqui a colombia una de esas pinturas mira que deben salir economicas